Emma Thompson: “En el cine las mujeres tenemos papeles accesorios y nos pagan menos que a los hombres”

Miguel Cane.

Sencilla, elegante y jovial, con los pies puestos en la tierra, Emma Thompson (Londres, 1959), dos veces ganadora del Óscar —como mejor actriz por Regreso a Howard’s End en 1992 y mejor guión adaptado (en tándem con Jane Austen, tal como suele decir) por Sensatez y sentimientos, en 1995—, se reúne con la prensa para presentar Hermosas criaturas, el nuevo filme de Richard LaGravenese (guionista de Pescador de ilusiones), tras haber formado parte de la exitosa saga de Harry Potter.



En la cinta, interpreta un doble papel: por un lado es Mrs. Lincoln, una fanática religiosa en un pueblito sureño donde se desarrolla la acción, y por otro es Saraphine, una peligrosa y sensual hechicera que juega un rol clave en el desarrollo de la trama, aunque en la realidad no tiene nada de bruja. Sonríe, insiste en el tuteo: “¡Hola, soy Emma!”, bromea para romper el hielo y entabla conversación como una mujer amena, inteligente y muy simpática.

¿POR QUÉ ACEPTAR UN PROYECTO COMO HERMOSAS CRIATURAS?

Estoy abierta a toda clase de propuestas. Eso lo aprendí de mis padres, pues ambos eran actores. Siempre que llega algo, lo menos que puedes hacer es leerlo, enterarte de qué se trata. Me atrajo porque está muy bien escrito. Richard tomó la novela original, que es muy entretenida y está enfocada a un público adolescente, y lo que hizo fue “abrirla” para que la historia que cuenta, básicamente la lucha entre el bien y el mal, resultara más universal. Creo que es una muy buena adaptación y que supera al libro en algunos aspectos, y eso sin duda es un gran trabajo. Así que acepté gustosa trabajar con él y con el elenco que reunió.



ES LA PRIMERA VEZ QUE HACE EL PAPEL DE VILLANA, O MÁS BIEN DE DOS. ¿FUE DIFÍCIL?

Podría decirse que sí, es más difícil, porque son dos personajes completamente opuestos, que comparten el mismo cuerpo. Y las dos son muy desagradables (risas). Cambiar de registro constantemente es muy importante en mi profesión, y ser la mala de la película puede ser muy gratificante. En este caso lo fue por partida doble, con Mrs. Lincoln y su discurso reprimido y su fanatismo religioso de un lado, y del otro lado Saraphine, que es un ser malévolo, pero que está extrañamente justificada en sus acciones. Ir de una a otra fue sumamente divertido.

ADEMÁS, HAY UN CONTRASTE ENTRE AMBAS, ¿NO? UNA MUJER SEXUALMENTE COHIBIDA Y UNA BRUJA SEDUCTORA. TODO EN EL MISMO PAQUETE...

¡Exacto! Dos por uno. Eso me resultó muy atractivo. Especialmente, como dices, el contraste. Había dicho alguna que otra vez que formo parte de la última generación que ha vivido con naturalidad su sexualidad. Pero eso no influye ni en un sentido ni en otro. Hay que tomárselo con humor y no es recomendable abusar. Los espectadores están un poco hartos de tanto sexo y tanta cama. Por otro lado, yo sí me considero una mujer sexy, aunque no despampanante. Supongo que represento la sexualidad de las mujeres comunes. Pero como Saraphine, tuve la oportunidad de explotar una sensualidad que habitualmente no había encarnado. Y lo disfruté mucho.



AL RECIBIR SU ÓSCAR SE QUEJÓ DE LA FALTA DE BUENOS PAPELES PARA LAS ACTRICES. ¿CÓMO ENCUENTRA LA SITUACIÓN DE LA MUJER EN LA INDUSTRIA DEL CINE 20 AÑOS DESPUÉS?

Como todo, es mejorable. He tenido mucha suerte con mis papeles, pero es evidente que las mujeres tenemos en la mayoría de los casos papeles accesorios al protagonista masculino y cobramos mucho menos dinero que ellos. Es una reivindicación de la que me declaro parte interesada. Igualmente, nuestra vida en el celuloide suele ser más corta. A los cuarenta y tantos una entra a esa franja de edad en que suele resultar difícil encontrar buenos papeles protagónicos. Ahora tengo 53 años, no me falta trabajo y ofertas, algunas las gestiono yo misma, pero en efecto, podría ser mejor. No solo para mí. Para todas.

LOS PROTAGONISTAS DE HERMOSAS CRIATURAS SON MUY JÓVENES Y TIENEN EL APOYO DE FIGURAS COMO JEREMY IRONS, VIOLA DAVIS Y DE USTED MISMA. ¿CÓMO VE ESTA TRANSICIÓN?

Es algo perfectamente natural. Los actores jóvenes necesitan apoyo para madurar. Viola Davis, por ejemplo, es una gran mentora. Es sumamente cálida y paciente y se puede aprender mucho de ella, aún si no eres un actor novel, yo misma aprendí de ella. Y siempre es un placer trabajar con Jeremy. Es un caballero y un actor enorme. Sobre Alice Englert y Alden Ehrenreich (los protagonistas debutantes de la cinta) puedo decirte que son dos de las personas jóvenes más inteligentes que he conocido la industria del cine y, si hay alguien preparado para afrontar esa situación, son ellos. Puede que Alice, quien nació en los sets de cine (es hija de la directora australiana Jane Campion) tal vez lo pase un poco mal cuando se le exija el físico que deben lucir las actrices jóvenes, una realidad que ha empeorado en los últimos 20 años, pero estoy segura que lo superará y triunfará. Es increíblemente especial, madura y muy hermosa en un sentido nada convencional, lo cual es muy refrescante. Es importante alimentar a las nuevas generaciones de actores.

ESO ES ALGO QUE NO SE VE MUCHO EN ESTE NEGOCIO.

Lo sé. Pero tenemos que aceptar que todo es pasajero. No podemos interpretar a Julieta para siempre, aunque queramos. Esto también lo aprendí de mi madre; tienes que saber quién eres a cualquier edad. Aceptar el paso del tiempo. Eso de aferrarte a algo me parece triste. Creo que hay que pasar la estafeta, y estuve feliz de ayudar a Alice y a Alden en la medida de lo posible.

ES MADRE DE UNA ADOLESCENTE. ¿CONSIDERA QUE ESTA ES UNA PELÍCULA ADECUADA PARA ESE PÚBLICO?

Sí. Creo que el mensaje es claro. Creo que está muy bien hecha. Gaia (su hija) era fan de Harry Potter y estaba feliz de verme en las películas de Harry. Ahora, cuando acepté hacer ésta, me acompañó al rodaje porque estaba de vacaciones y leyó el libro y luego los otros dos —es una trilogía— para saber qué pasaba. Está en la edad en la que descubre que lo que hacen papá (el también actor y director Greg Wise) y mamá no es “magia” sino que implica mucho trabajo y a veces horas extenuantes de esfuerzo, pero estuvo interesadísima en el proceso. Sé que la película le gustará. Tiene un poco de todo y los prepara para el cine más sofisticado e inteligente que verán como adultos. Eso me da esperanza, hay algo más que ofrecer.

Acero y Hueso / Rust and Bone, de Jacques Audiard

Sobrevivir

Miguel Cane.

En Acero y hueso, el director de Un Profeta (una de las mejores cintas de 2009) presenta la historia de Alí (Matthias Schoenaerts), un hombre que de un momento a otro debe hacerse cargo de su hijo Sam, un niño de 5 años al que apenas conoce. Sin conocer a nada ni nadie, y no tener techo, ni comida o dinero, se refugia en la casa de su hermana. Tras una pelea, conoce en una discoteca a Stéphanie (Marion Cotillard, brillante), que es entrenadora de orcas en Marineland  se involucran en una poco convencional – aunque muy realista – historia de amor, salpicada por la tragedia, como la vida misma.

El filme de Jacques Audiard es, ante todo, un cúmulo de metáforas y simbolismos expuestos constantemente. Todos abordados con una mirada equilibrada; la paternidad (el cuidado repentino que Alí debe hacer sobre su hijo Sam y el amor que surge entre ambos), la amistad (el vínculo entre Ali y Stéphanie), sobre la fortaleza humana, las situaciones que cambian brutalmente la vida.

Audiard explora mundos totalmente opuestos y consigue que el espectador se adentre  en ambos. ¿Qué es más fuerte: él acero (Ali) o el hueso (Stéphanie)? Ciertamente el hueso puede romperse con facilidad tras algún accidente, en ocasiones es irrecuperable, mientras el metal puede aguantar mucho más, aunque es vulnerable al óxido que todo lo consume. Stéphanie, tras un bestial accidente que involucra a su orca, es un hueso raído que se torna fuerte y Alí es un acero oxidado que se convierte en hueso, en carne humana.

Hecho con gran cuidado, el filme no está exento de algunas carencias. El ritmo, que se establece en una primera hora excelente, pierde el paso después del accidente y se apoya demasiado en coincidencias,  llenándose con paja  que no genera interés alguno, y en ocasiones se vuelve repetitiva. El guión no es redondo del todo y deja cabos sueltos para llegar a un desenlace que a algunos les parecerá demasiado abrupto,  donde otros tal vez lo encuentren complaciente.

Este es un filme interesante, que  se puede ver sin muchas expectativas preconcebidas; merece verse con una mente abierta, ya que Audiard consigue intercalar elementos que no ha manejado antes, con sus ideas originales y hace un trabajo más universal que sus filmes anteriores. Quizás no guste a algunos espectadores que considerarán que quizá pudo resultar mejor, pero lo cierto es que una cinta como esta, por mucho, desbanca a la mayoría de filmes en exhibición hoy día y hay que verla.

Acero y Hueso / Rust and Bone

con  Matthias Schoenaerts, Marion Cotillard y Armand Verdure

Dirige Jacques Audiard

Francia/Bélgica 2012

Una niña maravillosa / Beasts of the southern wild / Bestias del sur salvaje, de Benh Zeitlin

Ojos de inocencia

Miguel Cane.



Más allá del espantoso título en español que se le impuso en México (Una niña maravillosa) que es erróneo y engaña al público, Bestias del sur salvaje, el debut como director de Benh Zeitlin es uno de los filmes más originales que haya visto en la última década.



En “La Bañera” una comunidad miserable instalada en un bayou sureño, aislada del mundo por un inmenso dique, la pequeña Hushpuppy (la formidable Quvenzhané Wallis), de seis años de edad, ha crecido casi silvestre, acompañada de un padre solitario. La niña, ingeniosa y cándida, debe arreglárselas como puede en medio de la nada, rodeada de animales semisalvajes cuando una tormenta de cien años eleva las aguas alrededor de su pueblo, su padre enferma y unas feroces criaturas despiertan, anunciando un caos; Hushpuppy descubre que el orden natural de las cosas está a punto de derrumbarse. En un intento desesperado por salvar a su padre y su hogar, deberá aprender a enfrentar un horror indescriptible y vivir para contarla.



Realizada en 2010 con un presupuesto mínimo, la cinta contiene todos los ingredientes para destacar; es un filme diferente, emocionalmente rico, de giros interesantes y una trama que sorprende al espectador más acostumbrado a lo convencional (de ahí que su título no la beneficie en nada. Esta no es una película para niños).



El mayor tesoro de la cinta son sus interpretaciones: Hushpuppy encarna lo mismo las ganas de vivir que la lucha por lograrlo; curiosamente, hay un énfasis en los valores que suele señalarse como ausentes en la cultura estadounidense: la familia, el hogar, la conservación de la naturaleza, a la belleza de las cosas incluidas las bestias. A través de su mirada, vemos más allá de la miseria, la discriminación, hacia un mundo interno rico y pleno de una magia que nada tiene qué ver con lo que hayamos visto en cine antes. Hushpuppy evoluciona como personaje, pasa de niña indefensa a bestia salvaje y valiente y el espectador hace el peregrinar junto con ella.



Poética, impactante, Bestias del sur salvaje (su título literal, tan justo, tan acertado) es una cinta que deja huella, que invita a ser revisitada; parte el alma, pero también ilumina el corazón. El objetivo de la mayor parte de los filmes es obtener una reacción emocional por parte de quien lo ve. En el caso de este, es claro que no se olvida fácilmente y que no solo merece, sino que debe ser vista.

Una niña maravillosa / Beasts of the southern wild
con Quvenzhané Wallis, Dwight Henry, Levy Easterly y Lowell Landes
dirige: Benh Zeitlin
EU 2012

Ryan Gosling: “A veces los policías tenían que jugar sucio”

Miguel Cane.



Parecería increíble que a este jovial y bien plantado canadiense (London, Ontario, 1980) le pegaran palizas en la escuela, pero así fue. De pequeño era tímido y flacucho. No obstante, su deseo de actuar lo llevó a audicionar (¡y quedarse!) en El club de Mickey Mouse, donde aprendió el rigor de la disciplina, junto con futuras estrellas como Justin Timberlake, Christina Aguilera y Britney Spears. Pero la imagen de niño bueno se disolvió por completo al hacer su primera aparición en el cine, como skinhead, en la impactante The believer.

Aunque fuera por necesidad de contraste, luego puso a llorar a las damas con el amor imposible por Rachel McAdams (con la que vivió varios años en pareja) en The notebook. Además de ser considerada éxito del cine romántico, la película lo hizo popular. A la escena independiente regresó con dos aclamados títulos: Half Nelson (su impecable caracterización de un profesor drogadicto y bien intencionado le mereció una nominación al Oscar); y Lars y la chica de verdad, la tierna historia de amor entre un hombre de carne y hueso, una muñeca inflable y una comunidad de Minnesota. En el melodrama Blue Valentine compartió escenas de alto voltaje con Michelle Williams, y luego hizo gala de su apostura física en la comedia Loco y estúpido amor, al lado de Steve Carrell y Julianne Moore. Ha hecho de todo —y sin medida— incluyendo una aclamada colaboración con Nicolas Winding Refn, en Drive y ahora como parte de la Fuerza antigángster, la nueva cinta de Reuben Fleischer (Zombieland) en la que comparte cartel con Sean Penn, Josh Brolin y Emma Stone, ambientada en 1949, es una especie de mezcla entre hechos reales y fantasía, basada en la lucha del escuadrón especial de la policía de Los Ángeles que se enfrentó al poderoso mafioso Mickey Cohen (Sean Penn).



EN LA CINTA INTERPRETAS UNA VERSIÓN “FICTICIA” DE UN PERSONAJE REAL, EL SARGENTO JERRY WOOTERS, QUE SÍ EXISTIÓ. ¿CÓMO VES ESTA MEZCLA DE ELEMENTOS?
Me gusta. Especialmente porque Wooters era un personaje en sí mismo, en la vida real. Creo que tiene mucha integridad. Me gusta esta idea de alguien que tiene el honor de no seguir las instrucciones de lo que dicen que es la ley. En aquel entonces, creo que la ley era mucho menos paranoica de lo que es ahora. Y creo que los límites de la ley eran mucho más maleables entonces de lo que son ahora. Por lo tanto, el bueno no era necesariamente el chico bueno. A veces los policías tenían que jugar sucio para acabar con los gánsters que estaban tratando de crear en Los Ángeles lo que ya habían hecho en otras ciudades. Creo que Wooters, después de regresar de la Segunda Guerra Mundial, se sorprendió de lo mucho que había cambiado de Los Ángeles, y en lugar de ser narcisista y egoísta, pensó en combatir. También traté de relacionar eso a la idea de que se trata de una persona real, y creo que es importante tener en cuenta que era mucho más valiente, el personaje más admirable que la versión de él que yo interpreto en la película. Aunque, claro, para propósitos dramáticos era necesario contar cómo el personaje tiene un conflicto romántico y se ve afectado por él. Así fue como tratamos de equilibrar eso. Y no creas, es un poco difícil.



¿ENCONTRASTE MATERIAL ACERCA DEL VERDADERO WOOTERS PARA INTERPRETARLO?
Sí, leí mucho acerca de él, testimonios de quienes lo conocieron también tuve la oportunidad de conocer a algunos miembros de la familia; sus hijos y sus nietos vinieron al set y me dijeron un montón de anécdotas, muchas de ellas me sirvieron para aplicar detalles al personaje, cosas que eran únicas en él. Como, por ejemplo, cuando fumaba, echaba la ceniza en la valenciana de su pantalón. Y luego, al final del día, les daba la vuelta para vaciar las cenizas. Esa clase de detalles curiosos que le dan una mayor dimensión al personaje.

AHORA BIEN, DESPUÉS DE HABER HECHO DRIVE, QUE ERA UNA ESPECIE DE FILM-NOIR MODERNO, ¿POR QUÉ HACER UNA PELÍCULA ACERCA DE GÁNGSTERS EN LA POSGUERRA?
Porque el guión me pareció muy divertido; todo el planteamiento. Siento que desde el principio nuestro mantra era: “No es una película de gánsters como las que veía tu padre”. Es decir, la cinta tiene todas las cosas tradicionales que el público espera habitualmente de una película de gánsters, pero Reuben aportó a la filmación una energía que es única. El ritmo y la energía cinética que lleva a sus rodajes es algo muy especial, creo que lo que hace para las películas de gánsters es un poco como lo que Star Wars hizo por la ciencia ficción (risas). No, ya en serio, de verdad es fantástico. Es una gran película de gánsters, y también una especie de western moderno. Cuando supe que dirigía Reuben, después de haber visto Zombieland, supe que iba a ser una película diferente a lo que suele ofrecer el género; que habría bastante más ritmo, que éste sería rápido y divertido y que habría algo de sentido del humor... Creo que eso es lo que ha resultado, absolutamente para bien de la película.

Y ADEMÁS HAY UN ELENCO GRANDE Y SÓLIDO. ESO AYUDA AL LUCIMIENTO DE TODOS...
Correcto. El equipo es un sueño. Fue genial, porque normalmente soy el tipo que está jugando todo el tiempo en el set y esto fue para mí como volver a clases. Cuando tienes a gente como Josh Brolin, el enorme Sean Penn, Emma Stone, Anthony Mackie, Michael Peña, Giovanni Ribisi y Robert Patrick, de todos aprendes algo. Y es muy divertido ser capaz de ver cómo los demás trabajan y cómo puedes enriquecer tu trabajo con ellos. Así que crearon una especie de crisol que se convirtió en lo que se ve en la película, que creo que es el gran éxito de esta película, la participación de todos, en esta película no hay una estrella. Todos somos igualmente importantes y eso ayuda. Es puro trabajo en equipo.

¿SE PUEDE HABLAR DEL CÓMO SE RODARON DE NUEVO ALGUNAS SECUENCIAS DE LA PELÍCULA A CONSECUENCIA DE LOS TERRIBLES ACONTECIMIENTOS EN AURORA, COLORADO?
Sí, creo que es importante señalarlo. Quiero decir, el tiroteo en Aurora en julio pasado, durante la proyección de la película de Batman The Dark Knight raises, fue una tragedia indecible y por respeto a las familias de las víctimas creímos necesario volver a filmar ciertas secuencias de nuestra cinta. Creo que no se comprometió la película o nuestra intención, y creo que la secuencia de Chinatown es muy fuerte. Todos debemos respetar la tragedia. Por eso también se postergó el estreno de la película y creo que es un tema muy relevante. No buscamos glorificar la violencia solo con violencia. Es decir, existe porque así fueron los hechos, pero nosotros condenamos actos así y ese es un punto importante en la película.

Y HABLANDO DE ESO, ¿QUÉ HAY DE LA NUEVA PELÍCULA QUE HICISTE CON NICOLAS WINDING REFN?
Bueno, de ésta no puedo decir mucho todavía, aunque se estrena pronto. Se titula Sólo Dios perdona y en ella trabajo con Kristin Scott Thomas. Yo hago de un boxeador retirado, ella es mi madre, que es esta especie de figura tiránica, y me pide que viaje a Bangkok a buscar al asesino de mi hermano para vengarme. Es una historia muy fuerte, muy emocionante. Tuve que entrenar para hacer artes marciales, kickboxing y recibir una serie de golpizas. Bueno, ya sabes cómo es el cine de Nicolas... ha sido físicamente algo que exige mucho. Espero que hagamos el circuito de festivales y si todo va bien, a continuación filmaremos La fuga de Logan. Esa película siempre me ha fascinado. Y cuando surgió la oportunidad de rehacerla, dije: ¡Sí! ¡Quiero hacerlo! Y con Nicolas, la idea es perfecta. ¡Somos lo mejor que ha ocurrido desde Laurel y Hardy!

Borderline

La obra Borderline, basada en la exitosa novela autobiográfica de Marie-Sissi Labrèche, la escritora quebequense más destacada de su generación, se presenta en el Teatro La Capilla de Coyoacán.

*** Borderline aborda el tema del Trastorno Límite de Personalidad que afecta a 3 de cada 100 jóvenes en nuestro país.

*** Bajo la dirección de Andrea Salmerón y con las actuaciones de María de la Luz Cendejas, Mónica Bejarano y Damián Cordero, Borderline ofrece funciones los domingos a las 18:00 hrs. Del 10 de febrero al 28 de abril.

*** Borderline es una obra 100% independiente y es un experimento de teatro sustentable y fácilmente transportable a espacios teatrales y no teatrales.

LA OBRA
Borderline transita por la mente de una joven que padece Trastorno de Personalidad Límite. Su estructura dramática no es cronológica; nos muestra cómo nada es antes o después en la mente de un Borderline, sino que todo es acumulativo y simultáneo.

La novela Borderline ha sido alabada por la crítica internacional por la crudeza de la confesión implícita. Aborda con gran honestidad la intensidad y la desesperación de Sissi; una mujer que lucha todo el tiempo por escapar a la locura.

A Sissi siempre le dijo su abuela, la odiahombres, que estaba destinada a ser una loca igual que su madre; a lo largo de su infancia Sissi busca desesperadamente un asidero que le proporcione estructura y orden a su mundo de limites deslavados.

Borderline narra la forma en que una niña desarrolló un Trastorno de Personalidad grave y su lucha por entenderse a sí misma. Un entorno repleto de calamidades que la dejó vacía. Con una madre esquizofrénica y una abuela lleno de odio, Sissi crece queriendo salir de ese mundo, pero sobre su cabeza pesa la locura en sus genes; cuando su abuela muere, Sissi pierde las esperanzas; sin embargo, también podría ser el momento para romper el círculo de la locura.

Un ejercicio de trabajo personal y de oscuro sentido del humor que nos muestra como nadie estaá destinado a ser “solamente un loco”. Una apuesta por la vida de una mujer que creía no tener alternativas.
Una obra que mueve fibras y que nos refleja a todos en mayor o menor medida.

Este montaje es, además, un experimento de teatro sustentable asumido por todos los participantes; dispuestos a correr el riesgo. Un equipo pequeño laborando con mucha dedicación y entrega; gran parte de la producción es reciclada y el acento está en el trabajo actoral. Es un espectáculo muy fácilmente transportable que puede presentarse ttambién en espacios no teatrales.

EL TLP
Borderline (TLP) es un trastorno de personalidad que afecta a cerca de 20 millones de personas y que no tratado médicamente, genera en el paciente un continuo vértigo emocional y estados anímicos totalmente inestables. Tanto los cambios de ánimo como la mayoría del estrés que sufren producen una disforia terriblemente progresiva, además de relaciones personales caóticas y pensamiento extremadamente polarizado.

El paciente no produce serotonina, un neurotransmisor que controla la ira, la agresión, la temperatura corporal, el humor, el sueño, el vómito, la sexualidad y el apetito. Los Borderline buscan desesperadamente un alivio, generalmente endorfina con conductas autodestructivas como comer sin control, gastar desaforadamente, comportamiento sexual aberrante, abuso de sustancias estupefacientes.

Un Borderline agudo es extremadamente disfórico y puede cortarse la piel sin sentir dolor físico para aliviarse.

A pesar de los esfuerzos por caracterizar y definir al grupo de pacientes Borderline, la variabilidad y las oscilaciones dificultan la tarea diagnóstica

Los Borderline necesitan comprender su enfermedad y ser tratados correctamente. Para eso, es importante que las personas que las rodean estén alertas. El Trastorno Límite de Personalidad está muy subdiagnosticado por falta de información.

Son borderline entre el 1 y el 3% de los adultos, personas que han sufrido maltrato, abuso y negligencia durante la niñez. Viven en el terror de ser abandonados y luchando por evitarlo. Siempre en los extremos del amor o el odio, se comportan en consecuencia, reaccionando con enorme intensidad ante situaciones que para otros serían indiferentes. Pasan, en el curso del día, de sentirse el centro del mundo a sentirse insignificantes, o de la desesperación al aburrimiento, o de la indignación a la culpa. No conocen el punto medio. Ante el abandono real o imaginado se hacen daño, enloquecen, alucinan, se pierden de sí mismos. Con ayuda profesional, aprenden casi siempre a vivir ya no en las nubes o en el abismo, sino sobre la tierra.

Dra. Elena Fernández del Valle

Asesora del proyecto

LA AUTORA
Marie-Sissi Labréche, es una de las autoras quebequenses más destacadas de su generación; ha padecido TLP toda su vida y después de varios intentos de suicidio fue diagnosticada y tratada; decidió escribir Borderline, que después se convirtió en una trilogía de novelas autobiográficas que exponen cómo un comportamiento tan limítrofe es una personalidad enferma que puede ser tratada sin motivo de vergüenza.

Marie-Sissi estudió la carrera de periodismo en la UQAM (Universidad de Quebec en Montreal) además de concluir, con mención honorífica, la maestría en Creación Literaria por la misma institución. Ha sido colaboradora de las revistas Filles d’Aujourd’hui, Clin d’oeil y Lou. Ha escrito las novelas Boderline, La bréche, La lune dans un HLM y recientemente Amour et autres violences, ademas de relizar el guión cinematografico Montréal et moi y la serie de televisión Psy malgré moi. Su primera novela, Borderline ha sido fuertemente alabada por la crítica y traducida al alemán, al griego, al ruso y al neozelandez para más tarde ser llevada al cine con el mismo nombre por Max Films bajo la direccción de Lyne Charlebois.

Fue merecedora a los premios Des Grands Prix de la Société Radio-Canadá y Des Nouvelles Fraîches douze por ¡Dibújame una oveja! (Capítulo cuarto de Borderline) y por el estreno de J’ai dix doigts, respectivamente.

LA DIRECTORA
Andrea Salmerón Sanginés estudió actuación en el INBA; ha sido actriz, asistente de dirección en teatro y cine, pero sobre todo, se ha destacado como productora teatral, actividad en la que cayó más bien por casualidad. Después de varios años de producir, decidió volver a intentar lo que realmente le apasiona: la Dirección escénica, que había probado hace diez años con la obra de su autoría Cuando los trenes…

CREDITOS
Reparto:

Abuela
María de la Luz Cendejas

Sissi
Mónica Bejarano

Todos los hombres de la tierra
Damián Cordero

Voz de la madre
Ericka Ramírez

Voz de Céline
Azucena Galicia

Traducción
Mónica Bejarano

Dramaturgia
Andrea Salmerón y Mónica Bejarano

Escenografía
Ricardo García Luna

Iluminación
Fernando Flores Trejo

Música original
Mauricio García de la Torre

Asistencia de dirección
Ericka Ramírez

Asistencia de producción
Azucena Galicia

Asesoría
Doctora Elena Fernández Del Valle

Dirección
Andrea Salmerón Sanginés

Borderline se presenta los domingos del 10 de febrero al 28 de abril a las 18:00 hrs. En el Teatro La Capilla. Madrid 13, Col. Del Carmen Coyoacán. Casi esquina con Centenario. Los boletos cuestan $120.00 y $80.00 para estudiantes, maestros e INAPAM.

Duración: 95 minutos.

Para público a partir de 18 años o adolescentes acompañados de sus padres.

Contacto borderline.mx.laobra@gmail.com

@borderlineteatr

bordelinelaobra.wordpress.com

Hugh Jackman: “No me hago ilusiones de ganar el Oscar”

Miguel Cane.



Han tenido que pasar varios años para que finalmente Hugh Jackman, habitualmente considerado un héroe de acción o un fino comediante, aparezca cantando en la gran pantalla. Jackman (Sydney, 1968) ya ganó un Tony por su caracterización en el musical de Broadway The Boy from Oz, pero llevaba años buscando un musical cinematográfico al que hincar el diente como actor. La gran oportunidad le llegó con la versión del galardonado director Tom Hooper (El discurso del rey) del famoso musical Los Miserables, que ha logrado varias nominaciones al Oscar, entre ellas la primera que como Mejor Actor recibe Jackman, quien canta en vivo todas sus escenas en el papel del atormentado pero noble Jean Valjean, protagonista de la historia inspirada en la clásica novela de Víctor Hugo.



ERES UN DEVOTO TOTAL DE LOS MUSICALES Y HAS INTERPRETADO VARIOS EN TU CARRERA TEATRAL. ¿POR QUÉ TE TOMÓ TANTO TIEMPO PROTAGONIZAR UNO EN LA GRAN PANTALLA?
Llevaba mucho tiempo soñando con interpretar un musical para el cine. Por alguna razón nunca pensé en Los Miserables, creía que era una quimera llevar esta obra al celuloide, porque es muy ambiciosa y compleja. Jean Valjean es un personaje icónico, un papel que no tenía yo en mi radar.

¿POR QUÉ NO?
Porque no lo habría contemplado en principio. Es mítico. Como lo son en la ópera Madame Butterfly o Rigoletto, necesitas estar en un cierto punto de tus habilidades... y no pensé que estuviera listo. Pero luego llegó la ocasión y deseé hacerlo. Cuando rodamos, Tom no cejó en ningún momento para obtener la mejor interpretación de mí. Y me sentí feliz de aceptar el reto, aunque al principio, claro, Jean intimida a cualquiera. Pero hacerlo era justamente lo que quería.



¿TE SORPRENDIÓ EL ESTILO CON QUE TOM HOOPER DIRIGIÓ ESTE FILME EN PARTICULAR?
Mucho. Me pareció una actitud valiente rodar la película en vivo. Todos los actores cantamos en escena. En cuanto a mi personaje, tenía un plan establecido, quería que mi retrato de Valjean me dejara irreconocible. Me dijo: “Hugh, si tus amigos te reconocen quiero que piensen que estás enfermo”. Tuve que perder 15 kilos para mi papel. Tom quería que el público sintiera a los actores cantar en directo y que no fuera un juego de mímica. Exactamente como en el teatro. Yo no hubiera sabido interpretar este personaje con mímica, me hubiera costado mucho y prefiero cantar en directo.

¿TE GUSTA ELEGIR PERSONAJES QUE SON FÍSICAMENTE EXIGENTES?
No, la verdad es que esa es la parte que menos disfruto (se ríe), pero ya lo ves, soy actor y cambiar para el personaje es esencial en cualquier interpretación. Uno puede pensar que un musical es fácil o menos exigente que —por ejemplo— Wolverine, pero todo el mundo que ha rodado o hecho un musical sabe que, bailes o no, cantar es lo más difícil para cualquier actor. Actuar y cantar al mismo tiempo es increíblemente difícil, vocal y emocionalmente. Creo que no hay nada igual, probablemente es el mayor reto para un actor y lo que nosotros queremos es sentirnos incómodos cuando rodamos, ¿me entiendes? Es un reto colosal.



¿EL HECHO DE QUE LOS MISERABLES SEA UNO DE LOS MUSICALES MÁS FAMOSOS DEL MUNDO AÑADIÓ PRESIÓN A TU TRABAJO?
En realidad me motivó aún más. Aunque no lo creas, tuve que pelear por este personaje porque tenía muchos pretendientes. Y al principio no pensé que me lo ofrecerían, que me invitarían a cortejarlo también (risas). Yo quise ser Jean, lo sentía en mi piel. La música, los musicales, forman parte de mi vida profesional desde que era un estudiante en Australia. Ahora tengo la fortuna de presentar en el cine este clásico, combinando mi pasión por el escenario y mi pasión por la gran pantalla. Si le preguntas a Tom Hooper te dirá que luché incluso de forma agresiva por conseguir este papel. No me avergüenza reconocerlo.

¿QUÉ QUIERES DECIR CON ESO?
Que no le di descanso a Hooper. Una vez que supe que la cosa iba en serio, no lo dejé en paz, hasta que conseguí una cita con él. Lo más gracioso es que él aún no había firmado contrato para hacer la película y yo ya estaba sobre él. Creo que finalmente vencí sus resistencias (se ríe).

¿SIENTES QUE HAY ALGUNA AFINIDAD CON JEAN VALJEAN?
No lo creo. No tanto. Mira, él es un solitario por las circunstancias de su vida y yo no lo soy. Vivo rodeado de mi familia, que me acompaña siempre. Tengo mucha gente que me ama y a la que yo amo. Jean trata de ser mejor persona, pero le cuesta. Yo no dejo de intentarlo porque sé que es posible.

¿ESTAR NOMINADO AL OSCAR TE QUITA EL SUEÑO?
Para mí es un gran halago. Pero no me hago ilusiones... la competencia es impresionante. Sinceramente, creo que quien más lo merece es Anne (Hathaway), porque su interpretación de Fantine es sensacional. Es el corazón de la película. ¿La has visto? Es desgarradora su entrega. Es un trabajo que paraliza el corazón. Ese Oscar es para Anne, te lo apuesto.

INTERPRETAR ESTE ROL REQUIERE UNA SENSIBILIDAD ESPECIAL, ¿NO?
Pues sí. Hay que llorar mucho. Espero que ya hayamos superado esa idea de que los hombres no deben llorar. A mí me parece que no es una emoción a la que haya que tener miedo. Cuando lees a Victor Hugo en las mil 500 páginas solo ves a Jean Valjean llorar en tres ocasiones. Él tiene que aguantar 19 años de trabajos forzados y llega un momento en el que dice que nunca llorará. Nunca experimenta el llanto hasta que el obispo le hace reconvenciones. Sin embargo, sabes que la vida ha sido muy dura para él y que siente muchísimo. Te conmueve. Del mismo modo en que él se conmueve.

PERO TE CONMUEVEN MUCHAS COSAS. ADEMÁS, ERES FILÁNTROPO...
Yo solo quiero aportar algo más que películas. Mira, visité Etiopía hace unos años y me impactó tanto, que tomé la decisión de cambiar algunos aspectos de mi vida y crear una fundación para ayudar como pueda y a cuantos pueda de quienes viven ahí. Leí un libro acerca de Paul Newman, al que yo admiro mucho, que escribió su viuda, Joanne Woodward, y desde ese día pensé en hacer alguna oficina que se dedique a dar a los demás y que se mantenga en el tiempo aunque yo ya no esté. Eso fue exactamente lo que hizo Newman, que era admirable en todos los aspectos. Creamos una compañía con la que queremos hacer dinero y crear puestos de trabajo. Todo lo que se produce se entrega por completo a una ONG.

ERES UN BUEN TIPO, NADA DE MISERABLE, AL FIN DE CUENTAS.
¡Pues la verdad es que sí! (ríe). Me gusta mi vida, mi familia. Mi esposa y yo tomamos la decisión de estar unidos donde tenga que ir a trabajar. Si mis hijos están en la escuela, entonces espero a rodar cuando ellos tienen vacaciones. O hago teatro para estar cerca de casa y llegar a dormir todas las noches. Deb (su esposa) y yo nos entendemos muy bien, yo soy el soñador y ella es la mujer divertida y pragmática que me enamoró. Nos entendemos sin tener que decir una palabra. Mi carrera, en buena medida, hasta donde ha llegado, ha sido gracias a la fe de ella en mí, como la que tengo yo en el trabajo que hago. Como la fe que tuve al hacer de Jean Valjean. Y lo que me devolvió ese personaje a cambio, es prácticamente un milagro. ¿Qué más se puede pedir?

Los Miserables / Les Misérables. de Tom Hooper

Vidas cantadas

Miguel Cane.



Aunque eficiente – y no cabe duda de que Tom Hooper es un director ostensiblemente capaz y eficiente, aunque poco imaginativo – y bien realizada, la tan ansiada versión cinematográfica de Los Miserables, uno de los musicales más famosos del siglo XX, basada en la novela de Víctor Hugo, era una empresa arriesgada y a la larga, de resultados poco satisfactorios, algo que los incontables fans de la puesta original no dejarán pasar de largo.



La historia de Jean Valjean (un correcto Hugh Jackman, aunque está fuera de rango) es muy conocida, igual que su tortuoso sendero hacia la redención, perseguido por el sabueso incansable Javert (Rusell Crowe). Por su parte, Anne Hathaway resplandece en su breve y doloroso acto como Fantine, la madre abnegada que acaba prostituyéndose en el arroyo y ofrece uno de los pocos momentos clave de la cinta, su interpretación de 'I dreamed a dream', que es desgarradora, al igual que‘On my own’ por parte de Samantha Barks como Eponine.



El problema reside en que la película no consigue transmitir al espectador las emociones latentes en sus muy populares canciones. Aunque no existe ningún tipo de química entre Eddie Redmayne y Amanda Seyfried (que reincide en el musical después de su atroz paso por Mamma Mia!) como Marius y Cosette, protagonistas de la historia de amor juvenil, nada malo puede decirse de unos actores que intentan dar lo mejor de sí para convertir a la película en un musical legendario, pero el trabajo de Tom Hooper tras las cámaras, excesivamente formal y rígido en partes, con muy escasos destellos de brillantes y la incapacidad para enganchar a un espectador que no sabe muy bien a lo que le entra, opuesto a los fans devotos de la obra, que tampoco estarán muy contentos, por parte de un guión que nunca crea el gancho necesario para involucrarnos en este drama cantado de miserias humanas, acaba convirtiendo las excesivas dos horas y media de metraje en una experiencia mucho más onerosa de lo que es necesario.



Y eso, es una verdadera lástima dado el talento involucrado, especialmente Anne, que, en efecto, no tiene la voz de Patti LuPone, pero consuma un enorme sacrificio en su trabajo... y es realmente la única que lo hace, al punto que si uno abandona la sala toda vez concluye su brillante participación, no se pierde absolutamente de nada.

Los Miserables/Les Misérables
Con Hugh Jackman, Anne Hathaway, Amanda Seyfried y Rusell Crowe
Dirige Tom Hooper
EU / Reino Unido 2012

Helen Mirren: “Yo rechacé a Hitchcock”

Miguel Cane.



De símbolo sexual a camaleónica primera actriz, Helen Mirren (descendiente de inmigrantes rusos, nacida Ilyena Lydia Mironoff en Sussex, Inglaterra, en 1945) ha tenido una carrera versátil y notable con una amplia gama de roles, desde la hechicera Morgana LeFay, en Excalibur (1981) hasta comedias (Chicas de calendario) sin dejar de lado a Shakespeare, Chéjov y Tennessee Williams, así como su célebre encarnación de la soberana Isabel II en La Reina, filme de Stephen Frears que le valió un Oscar. Su trabajo más reciente es como la formidable Alma Reville, esposa del director de cine, en Hitchcock el maestro del suspendo, filme que retrata a la pareja durante 1959, año en que el genio inglés filmó uno de sus trabajos más famosos: Psicosis. Curiosamente, al inicio de su carrera la actriz tuvo la oportunidad de colaborar con Hitchcock, pero esto no llegó a concretarse, si bien es una anécdota que sirve para dar pie a la entrevista.

“Conocí a Hitchcock cuando yo aún era muy joven, era 1971 o 72, él estaba en Londres para filmar Frenesí y me entrevisté con él acerca de un papel, el de la novia del protagonista (que eventualmente encarnaría Anna Massey). Pero no me fue muy bien que digamos (ríe)”.


Helen Mirren con Malcolm McDowell, en el film O'Lucky Man (1973), de Lindsay Anderson.

¿POR QUÉ, SI CUALQUIER ACTRIZ HUBIERA DADO TODO POR TRABAJAR CON ÉL?
¡Pues claro! Pero entonces yo era muy joven. En mi ignorancia y arrogancia, para mí él era de la vieja escuela y no me interesaba. Si hubiera sido Antonioni, Truffaut, Bertolucci o algún otro director europeo, yo hubiera estado más entusiasmada. Pero entonces era una chica muy engreída y no me daba cuenta de que Hitchcock era un maestro. Fui a una oficina a verlo y recuerdo que se sentó detrás de un escritorio. Era enorme, y estaba sentado allí mirándome con recelo. Yo lo miraba igual, así que no congeniamos. Le dije que el papel era muy pequeño y, además, la estrangulaban a media película. Él solo me escuchó, asintió, me hizo un poco de conversación y me dijo “buenas tardes”. Me fui muy ufana y llamé a mi agente para decirle “lo rechacé”. Me dijo que yo estaba loca de atar... (carcajadas). No sé si me arrepiento de no haber hecho ese papel, pero hubiera sido maravilloso trabajar con él, eso lo tengo claro.



PERO AHORA HITCHCOCK VUELVE A SU VIDA DE UN MODO INESPERADO, ¿NO?
Sí, ¡qué cosas tiene la vida! Me sorprendió mucho el guión. Creo que un mejor título, en todo caso, habría sido Los Hitchcock, porque la película examina la compleja relación de pareja entre el director y Alma, tan inteligente y observadora que no era solo su mujer, sino que fue la editora, consejera y mejor amiga de su marido. La relación entre ambos era increíble; me pareció que explorarlo era esencial. También me interesaba descubrir la verdad sobre eso, sobre la importancia de Alma en su sociedad creativa. Fue un gran descubrimiento para mí. No estaba al tanto de ello hasta que recibí el guión y empecé a investigar al personaje que iba a interpretar.



ALMA REVILLE ES UN PERSONAJE FASCINANTE POR DONDE SE VEA.
Así es. Yo no sabía casi nada acerca de ella, pero el vínculo entre ella y su marido me parece algo sumamente interesante. Hablé muchas veces con Patricia Hitchcock O’Connell, la hija de ambos. Ella escribió un libro que fue mi principal fuente de datos al respecto de la relación que existía entre ellos desde la juventud. El libro es maravilloso, pero lo que me fascinó fue el hecho de que ella decidiera escribirlo sobre su madre y no su padre. Patricia sabía que su madre no recibía el reconocimiento que merecía y quiso rendirle tributo. Me pareció algo muy emotivo, y el libro también me resultó revelador.

USTED TAMBIÉN ES LA ESPOSA DE UN DIRECTOR DE CINE (TAYLOR HACKFORD) Y SE HABRÁ IDENTIFICADO EN ALGO CON ELLA.
Debo decir que Alma acabó gustándome mucho. Sí, hay una cierta identificación, más allá incluso que el oficio de nuestros maridos. Lo que más me gustó descubrir en ella, fue su sentido de la lealtad, de la paciencia —para estar casada con un hombre así hay que tener una paciencia virtuosa— y su comodidad con el rol que tenía en la familia y en el proceso creativo. No era ansiosa al respecto, ni tampoco secretamente ambiciosa, celosa o furiosa. Creo que ella amaba a Hitchcock y compartía su sentido del humor tan peculiar; ella parece estar riendo en cada foto que pude encontrar. Se reían mucho y creo que fue una de las cosas que los mantuvieron juntos. Pero además, Alma tenía todos estos roles que mencionábamos antes y que la hacen única. Sí, era un ama de casa estupenda y una compañera solidaria y madre devota, pero también tenía ideas propias. Era mucho más que solo la señora Hitchcock, en todo caso. Y la película explora un poco esto, su deseo de hacer cosas, no solo para ayudar a su esposo, sino por sí misma. Escribía guiones, en muchos aspectos podría decirse que sus aportaciones al trabajo de su marido eran invaluable. Y hablar de esto ahora, darle el crédito que merece, me parece algo muy justo.

¿Y QUÉ TAL LA MANCUERNA CON ALGUIEN COMO ANTHONY HOPKINS ENCARNANDO UN PERSONAJE COMO ÉSTE?
Sí, esa fue otra de las razones por las que el proyecto me atrajo y quise hacerlo. Aunque somos muy amigos hace años, Tony y yo nunca habíamos trabajado juntos, ni en teatro, ni en cine. Por una razón o por otra, aunque tenemos experiencias similares en el teatro, el cine, y en actuar en Estados Unidos. De modo que cuando nos reunimos para esto todo resultó extraordinariamente fácil. Fue como si hubiéramos trabajado juntos toda la vida. Obviamente, desde mi punto de vista, él es uno de los grandes actores que nos quedan. Así que yo estaba algo intimidada y nerviosa, pese a que lo conozco hace más de 30 años, pero luego, como pasa con todos los actores que tienen esa clase de experiencia, resultó muy fácil trabajar con él. Encontramos una dinámica que nos permitió ser Hitch y Alma. Llegamos a esto con el mismo enfoque, que consiste en no sólo aprender tus diálogos y entrar al set, sino en también apoyar a y apoyarte en los otros actores. Eso funcionó para nosotros, y encajó muy bien con la relación del matrimonio que estábamos interpretando.

Y SE DICE FÁCIL, PERO ESTE AÑO CUMPLE 50 DE HABER EMPEZADO A HACER TEATRO. ¿CÓMO SE SIENTE DE LLEGAR A ESTE PUNTO?
Tengo muy, muy buena suerte. Esta profesión es tan azarosa y todo es tan inesperado. Nunca sabes qué te depara, dónde habrá trabajo mañana. O si lo habrá. Yo intento ser alguien fácil con quien trabajar. He visto a personas que se dejan atrapar por sus propias neurosis o sus egos. Pueden hacer que resulte insoportable trabajar con ellos. Yo prefiero ser parte de un equipo, conocer a directores con nuevas propuestas. A estas alturas, aún corro riesgos, porque eso me ha dado grandes enseñanzas y hace que ame mi trabajo. Obtengo grandes satisfacciones de él y eso, como te decía, es la suerte.

Chicas en conflicto / Damsels in distress, de Whit Stillman

Delirios de jovencita

Miguel Cane.



Estrenada apenas en un puñado de salas y con bastante retraso en México, Chicas en conflicto, el cuarto largometraje de Whit Stillman, podría pasar casi desapercibida para muchos espectadores y perdérsela sería (al menos para los aficionados a la comedia sutil y original) una verdadera lástima, sobre todo, porque la obra de Stillman, si bien no es muy abundante, nunca decepciona si se sabe qué es lo que va a encontrarse.



Cercana al universo de Woody Allen, esta es la divertida y satírica trama ambientada en una universidad privada en la Costa Este, donde una joven llamada Lily llega como estudiante de nuevo ingreso; toda vez ahí queda bajo la protección (por decirlo de alguna manera) de Violet Wister (Greta Gerwig), una excéntrica y sensible joven que, junto con un séquito muy sui-géneris y elegante de amigas, siempre busca ayudar a quienes más lo necesitan, como los deprimidos o los suicidas. En el caso de sus amigas, la raíz de los problemas son los hombres y las soluciones a sus conflictos románticos causan carcajadas.



Stillman es un agudo observador de las convenciones sociales de un cierto grupo y funciona muy bien como narrador de sus extravagancias. El humor con el que trabaja no es burdo, y esto puede causar desconcierto en quienes tal vez estén esperando otro tipo de película. Esta es una comedia sexual y romántica, pero mucho más sagaz que el promedio; con sanas dosis de cinismo, refleja no solo las ideas de su autor, sino también una divertida mirada a un sector de la sociedad estadounidense y sale airoso.



Una sorpresa grata es Greta Gerwig en el papel central, no es una chica atractiva ni una bomba sexy, pero consigue identificar al espectador con ella misma y los ácidos y astutos diálogos que pronuncia con aplomo, la dejan ver como una de las comediantes más brillantes de su generación, algo que pareciera un territorio casi exclusivamente masculino.

Filme altamente recomendable, especialmente para aquellos espectadores que desean escapar de lo que usualmente ofrece la cartelera, es una especie de anacronismo, un retorno a las comedias juveniles de los 60, pero mucho más actual, más aguda e inmediata, que merece una visita antes de que desaparezca de las salas. Vale la búsqueda y el traslado, porque Stillman siempre compensa, aún si tarda años en terminar una película; la espera es justificada con los resultados.

Chicas en conflicto / Damsels in distress
con Greta Gerwig, Adam Brody y Analeigh Tipton
Dirige Whit Stillman
EU 2012