X-Men Primera Generación / X Men First Class, de Matthew Vaughn

Fenómeno Mutante

Miguel Cane



Desde la aparición de X-Men (Bryan Singer, 2000) se estableció un fenómeno: la masificación de la película de superhéroes. Antes existieron Superman (Richard Donner, 1978) y Batman (Tim Burton, 1989), con sus respectivas secuelas, pero la cinta de Singer apelaba a otro tipo de público y utilizaba otro estilo: mezclaba el cine de acción tradicional con los elementos del cómic original, para crear una cinta que le hablaba a dos tipos de público: los fans de un género y los adoradores de un medio. El resultado fue una auténtica mina de oro, que ha generado otros filmes, no solo en la saga X-Men (el que hoy reseñamos es el quinto), sino casi todo el establo Marvel: Spider-Man, Hulk, Iron Man, Los Cuatro Fantásticos hasta la flojita Thor y la próxima Capitán América.

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Trailer con mayor duración, en inglés


Esto ha resultado en distintos niveles de calidad y este nuevo filme de Matthew Vaughn, está en una media bastante más alta del promedio, sin embargo, pese a contar con un buen elenco y una brillante ejecución por parte de éste y de los efectos especiales, el guión se desbalaga y nunca se recupera, amén de tener ciertos anacronismos que, para tratarse de un filme que se toma muy en serio su ambientación histórica (el año 1962, durante la crisis de los misiles y el mandato de John F. Kennedy) resultan bastante molestos.

Charles Xavier (James McAvoy) conoce y se hace amigo de Erik Lehnsherr (Michael Fassbender, estupendo), sobreviviente de un campo de concentración. Junto con Moira MacTaggert (la hermosa Rose Byrne), establecen la Escuela para Jóvenes Dotados, que les permitirá acoger a jóvenes mutantes de todo el mundo. Xavier y Erik lo son y buscan, mediante estos poderes, protegerse del mundo que les teme, y a su vez, salvarlo de sí mismo.



Pero tan noble intención puede correr peligro ya que existen mutantes perversos con fines siniestros, bajo la guisa del exclusivo Club Infernal, con un plan de dominar el mundo – esta esfera representada por el inmenso Kevin Bacon como el repelente Sebastian Shaw y su cómplice, la “Reina Blanca”, glacial y hermosa Emma Frost (January Jones, la Betty Draper de Mad Men, que es uno de los puntos flacos de la cinta. Es bellísima, como todo mundo sabe, pero eso no basta para ocultar que es una nulidad como actriz y no tiene la capacidad para un personaje clave como ese), el conflicto, con plétora de efectos y una acción vertiginosa y bien sustentada no decepcionará a los seguidores de este tipo de cinta, que está planificada para un público más joven que el que sigue la oscura saga de Batman que ha resucitado Christopher Nolan (que se cuece aparte). Aquí el espíritu del cómic creado por Stan Lee está bastante presente y es de agradecer (aunque no deja de ser simpática la aparición especial de Hugh Jackman en un cameo, diciendo el único expletivo de todo el filme).

Para los devotos de la saga, hay buenas sorpresas, para los que gustan del cine de acción también; Jennifer Lawrence y Nicholas Hoult ameritan mención especial en sus roles de Raven Darkholme y Hank McCoy (Mystique y Bestia) y la puerta queda abierta evidentemente para una secuela. Es una cinta palomera de calidad y está hecha para gustar... lo que hace que sus errores y defectos parezcan casi imperdonables en vista de todo lo positivo que pudiera tener.

X Men First Class/X-Men Primera Generación
Con James McAvoy, Michael Fassbender, January Jones, Rose Byrne, Jennifer Lawrence, Nicholas Hoult y Kevin Bacon.

Dirige: Matthew Vaughn

EU/ Reino Unido 2011

James McAvoy y Michael Fassbender: Héroes y Enemigos

Son dos de los actores británicos más prometedores actualmente y son los protagonistas del bombazo cinematográfico del año: X-Men: Primera Generación.

Miguel Cane

Son tan opuestos como sus personajes en la ficción, sin embargo, James McAvoy (1979) y Michael Fassbender (1977), se complementan bien, tanto en escena como fuera de ella. McAvoy es bajito, sonriente, curioso. Fassbender – de origen germano-irlandés – es alto, formal y reservado, hasta que de repente sonríe y revela una naturaleza más jovial. Aunque ambos tienen sólidas carreras con participaciones en filmes comerciales (como Las Crónicas de Narnia o 300) y en favoritos de la crítica (Expiación y Fish Tank), ninguno había llegado a los niveles de fama que van a tener a partir de este fin de semana, cuando se estrene alrededor del mundo X-Men: Primera Generación, el 'relanzamiento' de la saga X-Men (si bien es la quinta cinta en la saga) que se perfila como la cinta de acción más taquillera no solo del verano, sino de todo 2011.

En la cinta, dirigida por Matthew Vaughn, los actores interpretan, respectivamente, a Charles Xavier y Erik Lehnsherr, quienes eventualmente pasarán de ser amigos y colegas, a convertirse en acérrimos enemigos como el Profesor X y Magneto (que, como recordarán, en las primeras cintas de la serie, ambientadas en “el presente”, eran interpretados por Patrick Stewart y Sir Ian McKellen). Ahora, la trama está ambientada en 1962, justo en plena época de la crisis de los misiles en Cuba – y también justo antes del debut del cómic que originó todo, mismo que apareció publicado por la casa Marvel en 1963 – y es durante este momento clave de la historia, que los mutantes (seres humanos con habilidades superiores genéticamente) se hacen por primera vez aparentes. Son estos dos personajes los encargados de develar su existencia al mundo y lo hacen de un modo espectacular.

¿Ustedes eran fans de los cómics de X-Men, aún antes de considerar participar en el filme?
JM: Sí. Yo leía los cómics y había visto las peliculas. No era un gran fan, pero me gustaban los personajes.
MF: La verdad, Jim sabia más que yo. Es decir, yo sabía quienes eran, pero no estaba versado en toda la historia... y creeme, en estos años han tenido una historia muy complicada...
JM: ¡Mucho!
MF: Pero eso hace los personajes más atractivos también. Además, fue bueno que Jim fuera fan. Muy útil cuando estábamos preparándonos.

¿Qué les atrajo de sus personajes? ¿Cómo los describirían?
JM: Siempre me pareció que el Profesor X, o bien, en este caso, Charles, tenía una historia muy interesante. Y aquí hay una oportunidad para explorar eso: cómo era en su época juvenil. Cómo descubrió que había otros mutantes. Las decisiones que tuvo que tomar... todo eso es muy interesante.
MF: En el caso de Magneto, se trata de un personaje sumamente complejo: todo el mundo sabe que en el futuro se va a convertir en un gran villano, en un asesino terrible...
JM: Como los villanos clásicos, como Darth Vader...
MF: Exacto. Es un antihéroe. Aquí hay una manera de saber cómo es, por qué es como es. Erik sobrevivió al Holocausto Nazi. Perdió a toda su familia. Cuando ve la posibilidad de un nuevo exterminio, esta vez entre humanos contra mutantes, actúa. Tal vez de una manera errónea, pero es la única manera que tiene.



¿Podrían decir que son figuras trágicas?
JM: Charles es más bien un héroe pírrico. La victoria puede salirle demasiado cara. Es un idealista, se involucra demasiado en las vidas de sus primeros alumnos y su participación en el conflicto, va en contra de sus principios. Creo que ese es el cisma de su relación con Erik, al que quiere como a un hermano.
MF: Yo sí veo a Erik como una figura trágica, en cierta forma. Es como decíamos, un gran villano y los grandes villanos, desde Macbeth hasta Darth Vader, lo son. En este caso, Erik se convierte en Magneto, con una idea que va en contra de los principios de su amigo Charles, pero él siente que sus motivos son igual de importantes. Muchos lo consideran un asesino y un terrorista, pero también habrá quienes lo consideren un héroe. Y aquí se explora la fina línea que separa a los dos aspectos de un mismo personaje, que tiene muchos niveles.

¿Cómo se sintieron durante el rodaje? ¿Fue más exigente o dificil que otros?
JM: No realmente. Matt es un gran director y todos conformamos una compañía muy sólida. Michael, Rose Byrne, Jennifer Lawrence, Nick Hoult, el gran Kevin Bacon – que interpreta al villano principal de la cinta, Sebastian Shaw – y January Jones... todos fueron compañeros excelentes. Hicieron del rodaje una experiencia muy divertida.
MF: Además están los efectos visuales. Yo no tenía mucha idea de cómo lo haríamos, es decir, hay una secuencia en la que saco un submarino del agua, ¡solo moviendo los dedos! Pensé, ¿cómo voy a hacer esto? No es tan fácil como parece, tampoco. Matt supo guiarnos para obtener el efecto que deseaba: que pareciéramos tan sorprendidos por nuestros poderes, como los personajes están en ese preciso momento. Cuando la ves completa, ya con los efectos listos, te das cuenta de que tiene una gran visión como director y que hizo algo excelente y te sorprende, al menos a mí me sorprende, haber formado parte de algo así.

¿Creen que haya una nueva trilogía a partir de esta cinta?
MF: Definitivamente eso es algo que el público decide.
JM: Nosotros firmamos un contrato y puede ser por tres películas, pero no hay nada escrito en piedra tampoco, aunque esperamos que si hay éxito, volvamos a reunirnos. Yo estaría encantado.

Las películas de superhéroes se han convertido en la nueva norma del cine de acción. ¿Creen que es una tendencia que seguirá, o cambiará?
JM: Cuando yo era niño – que es más o menos la misma época en la que Michael era niño... ¿no?
MF: ¡Cierto!
JM: En esa época, lo que había era cine de acción con figuras como Schwarzenegger, Terminator, Terminator 2, Duro de Matar... estas películas ahora, son completamente diferentes, son piezas de ensamble, dependen de cada miembro del reparto y su contenido es más fantástico. Es lo que el público había pedido por años, y ahora es real. La tecnología cambia, los gustos cambian. No sé qué es lo que va a suceder mañana. Pero mientras tanto, hablando por mí, puedo decir que esto es divertido y emocionante.
MF: Mañana, ya veremos. Por todo lo que sé, podrían ponerse de moda las tragedias shakespeareanas o películas en las que tengamos que ponernos disfraces de animales... ¿quién lo sabe? Lo que sí es que si el público quiere entretenimiento, que es lo que ofrece esta película, existirá en cualquier forma.

Kirsten Dunst

Actriz desde la infancia, ha tenido que pasar por un largo camino para lograr el triunfo como mejor actriz en el Festival de Cannes, dirigida por el polémico Lars Von Trier.

Miguel Cane

Inició su carrera a los cinco años, con un cameo en una película de Woody Allen (el segmento de Historias de Nueva York, titulado Edipo reprimido) y tuvo su primer papel de importancia como Claudia, la pequeña vampiro inmortal en Entrevista con el vampiro. Podría decirse entonces que Kirsten Dunst (Nueva Jersey, 1982) siempre tuvo la vocación de ser actriz, sin embargo, el caso de 'Kiki' (como la llaman afectuosamente amigos, medios y fans), es diferente. De hecho, no disfrutó la idea de ser actriz profesional hasta los diecisiete años, cuando Sofía Coppola la llamó a protagonizar Las Vírgenes Suicidas, su debut como directora. “Yo había hecho películas desde pequeña, pero en realidad no me sentía actriz, hasta que Sofía me llamó y vi que hacer cine podía ser muy diferente... y empecé a verlo de otra manera. Empecé a hacerlo con gusto, y no sólo como una manera de ganar dinero en lo que decidía qué iba a hacer con mi vida.”

De este modo, Kirsten ha logrado mantener un balance delicado entre el cine meramente comercial – como la trilogía dirigida por Sam Raimi sobre Spider Man – y el circuito de arte, con trabajos como Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, la arriesgada versión de Maria Antonieta dirigida por la Coppola y ahora, con la demoledora y exquisita cinta de Lars Von Trier Melancholia, en la que comparte créditos con Charlotte Gainsbourg, Charlotte Rampling, Kiefer Sutherland y John Hurt, y por la cual obtuvo el premio como la mejor actriz en la 64ª edición del Festival Internacional de Cine de Cannes [NOTA: Esta entrevista tuvo lugar un par de días después de las escandalosas declaraciones de Von Trier durante una rueda de prensa y es anterior al palmarés, por lo cuál, Dunst no había recibido aún el premio].

¿Cómo llegaste al set de una película de Lars Von Trier? Es un triunfo: todo mundo quiere, pero no siempre lo consigue...
Es verdad. No es fácil acceder a Lars. Yo nunca lo hubiera imaginado. De hecho, tenía otro proyecto en mente, que me habían ofrecido y Lars había comenzado la producción con otra actriz (se refiere a Penélope Cruz, que había accedido a rodar, pero se fue a hacer Piratas del Caribe 4), por lo que no estaba ni siquiera al tanto. Fue una cosa extrañísima. Me llamaron a Nueva York y me dijeron si quería viajar para ver a Lars. Me quedé en shock. ¿Yo? ¿Me llama a mí? Dije que sí y en veinticuatro horas yo ya estaba en Dinamarca.

¿Cómo fue tu encuentro con él?
Extraño. Lars parecía distraído y yo no sabía que eso es parte de lo que es él. Me hizo preguntas de todo tipo, pero nada acerca de la película o del cine. Yo contesté a todo, con la mayor honestidad. Me sentía muy sorprendida aún. De pronto se interrumpió, se levantó y dijo “no sé si esto va a funcionar.” y no dijo nada más. Salió de la sala y me quedé: “¿Yo qué hice?” Pero me explicaron que Lars es así. Volví a mi hotel y me enviaron el libreto y una oferta formal. Luego llamó y dijo que me quería y que quería que trabajáramos juntos en esto. Pero que debía hacer lo que él me dijera. ¿Estás dispuesta?, me preguntó. Y yo dije que sí. A todo le dije que sí.

Háblame del rodaje de Melancholia, de tu personaje.
Mi personaje se llama Justine. Es una chica que acaba de tener una boda de ensueño con el hombre que ha sido hasta ese punto su gran amor; tiene una relación muy estrecha con su hermana Claire (Charlotte Gainsbourg) y con su madre (Charlotte Rampling), y tiene todo para ser feliz... pero no lo es. En su noche de bodas, Justine se sume en una profunda depresión y eso cambia su destino y en muchas formas, el de su familia. Por otra parte, hay un problema más grave aún: un planeta llamado Melancolía está en curso de colisión con la tierra y esto significa, literalmente, el fin del mundo. Lars decidió hacer una yuxtaposición de ambos temas; el colapso emocional de Justine como microcosmos y la destrucción de la tierra, como macrocosmos. El personaje de Claire es el que une ambos temas y funge como el nudo de la narración, ya que se rehúsa a aceptar que su hermana se hunda y el mundo se acabe. El choque entre ambas es el eje de todo. Rodamos en un palacio restaurado en Trollhättan, Suecia, y fue algo que me dejó sorprendida, esta táctica de Lars para filmar. Nos dio el guión y teníamos que seguirlo, pero también nos dejaba improvisar en ciertos aspectos; hay una larga secuencia, que es el banquete de bodas y ahí no ensayamos; simplemente nos soltó con la cámara siguiéndonos; entonces teníamos que actuar como si fuésemos una familia, amigos. Eso fue divertido e interesante; sólo nos hacía unas cuantas observaciones, pero nos dejó trabajar por instinto. Eso es algo que yo no había hecho antes. Me pareció fascinante.

¿Qué puedes contar sobre la dirección de Lars con tu personaje?
Cuando nos reunimos para empezar a rodar, Lars me contó que había escrito la película como una manera de combatir una profunda depresión, que lo había paralizado casi un año. Lars tiene un temperamento melancólico, y lo entendí. Hace unos cuantos años, después de un rodaje, tuve que internarme para tratarme por depresión. No podía dormir, ni comer bien, ni sentía alegría. Estaba mal. No tengo temor de decirlo; lo he hablado claro muchas veces, porque cuando me interné se propagaron muchos rumores muy hirientes, que afectaron a mi familia, y afectaron mi imagen. Hay mucha gente irresponsable en Internet, que no piensan en las consecuencias de lo que dicen; me acusaron de ser una ebria, de ser drogadicta. No soy ni lo uno ni lo otro. Y si lo fuera, y buscara recuperarme, desearía respeto y hablaría de mi experiencia para ayudar. ¿Me explico? Por eso cuando Lars me habló acerca de lo que le ocurría a Justine, lo entendí perfectamente. Mucha veces hay cosas que no alcanzamos a entender, que pueden dejarnos noqueados. Somos humanos, todos tenemos nuestros problemas y tratamos de resolverlos, de vivir con ellos o de sobrevivir, si quieres verlo así.

¿Dirías que Justine, la mujer que interpretas, es una contraparte de Lars Von Trier?
En algunos aspectos, sobre todo en su construcción psicológica, sí. Creo que representa el combate de Lars con la depresión.

¿Supones que a raiz de este filme Hollywood te tomará más en serio?
No sé. Supongo que hay directores que te toman en serio. No puedo negarte que me halaga, mucho, que me hayan buscado para esta película. Todo actor es inseguro (quien te diga que no, miente para que no te des cuenta de que lo es) y siempre buscamos el reconocimiento de los que consideramos ídolos. Pero tomarte en serio es algo muy relativo. Yo me alegro de poder trabajar en cintas que me apasionan con directores fantásticos.

¿Como On The Road, con Walter Salles?
Por ejemplo.

La pregunta inevitable. (asiente) Las declaraciones de Lars en la conferencia de prensa. ¿Quieres decir algo al respecto?
Dios. Qué difícil. Creo que hay temas sobre los que no puedes hablar a la ligera. Lars no es de ninguna manera una mala persona, es sólo un provocador. Y eso es lo que estaba haciendo, provocar, polemizar, y se le fue de las manos. No lo disculpo ni lo justifico, cada quién es responsable de lo que dice y creo que su disculpa pública es sincera. Pero ya lo dije, él es así. Es su manera de ser.

¿Volverías a trabajar con Lars Von Trier?
¡Desde luego! ¡Sin dudarlo!

Crimen en familia / All Good Things, de Andrew Jarecki

Matrimonio y Mortaja

Miguel Cane

Para su debut en “cine de ficción”, el oscarizado documentarista Andrew Jarecki (Capturando a los Friedman) decidió acercarse a un tema que le interesaba (contar otra historia real), y lo que presenta es Crimen en Familia (All Good Things) un docudrama que ostensiblemente se basa en la historia real de Robert Durst (aquí llamado “David Marks”), hijo de un multimillonario de los bienes raíces, criado en Manhattan, que se enamoró de una joven de clase social inferior llamada Kathleen MacCormack, misma que no cumplía las expectativas previstas para él. Poco después de casarse, en 1981-82, la joven desapareció, siendo presuntamente asesinada, con el padre de Durst como principal sospechoso. El cadáver de la chica nunca fue encontrado, y el caso sigue, a día de hoy, siendo un misterio.



Los roles principales recaen en la interesante pareja compuesta por Ryan Gosling y Kirsten Dunst, quienes rubios, bellos y jóvenes, parecen encarnar a los enamorados perfectos. Sin embargo, Jarecki y sus guionistas Marcus Hinchey y Marc Smerling, no pierden el tiempo para mostrarnos que no todo es lo que parece: David (Gosling) es inseguro y palidece ante la formidable presencia de su padre – un monumental Frank Langella, que se come cada escena como desayuno -- , un hombre autoritario y estricto. Luego de un casamiento intempestivo, David y Katie (la Dunst, en una interpretación que transmite fragilidad e inocencia al principio y después un creciente desencanto) huyen del palaciego mundo de Park Avenue donde él creció y se refugian en la vida sencilla en un poblado de Vermont, hasta que Sanford Marks (Langella) ejerce su influencia y manipula al hijo como titiritero supremo, para hacerlo volver a la ciudad y a su compañía.

Katie accede al retorno y retoma sus estudios de medicina, pero la vida de privilegio la asfixia, al igual que los repentinos cambios de humor de su marido; pronto salen los proverbiales esqueletos del clóset (y aquí es donde Jarecki flaquea un poco) y el resultado no es ningún secreto, aunque no voy a revelar más.

La cinta, aunque muy bien actuada, tiene el grave problema – que en este caso recae en el director – de no saber qué quiere ser: ¿Melodrama? ¿Thriller?¿Estudio psicológico de una personalidad traumatizada? ¿Fábula contra los excesos de dinero y lujo? ¿Postal de los ochenta en un lugar muy específico? Tanto trata de ser, de manera tan ambigua, que finalmente no consigue nada más que ser un experimento caro y a la larga, frustrante, acerca de personajes que no consiguen generar interés – cuando Katie abandona la acción ya ha posado tanto como trapo mojado que francamente a éste reseñista le dio lo mismo lo que fuera de ella – y el planteamiento final se queda corto, considerando el trabajo y detalle que le precedía.
Andrew Jarecki es un director interesante y seguramente hará mejores trabajos, pero este filme, aún pese a su gran elenco, estupendo diseño de producción y atinado soundtrack, tuvo problemas para estrenarse durante más de dos años. Viéndola, se nota por qué. Y es una pena, porque realmente, se trata de una intención muy buena.

Crimen en familia / All Good Things
Con Ryan Gosling, Kirsten Dunst, Kirsten Wiig, Lily Rabe, Diane Venora, Philip Baker Hall y Frank Langella.
Dirige: Andrew Jarecki
Estados Unidos/Canadá 2010.

Mi otro yo / The Beaver, de Jodie Foster

Voz interna

Miguel Cane

Hace veinte años, fresca y radiante del éxito rotundo que fuera El Silencio de los Inocentes, Jodie Foster se dio el lujo de explorar el camino de la dirección con Mentes que brillan (Little Man Tate), la historia de un niño genio y su madre de clase trabajadora. Los resultados fueron prometedores, aunque muchos arquearon las cejas al ver a la actriz metiéndose en “aguas demasiado profundas”.



Cuatro años después, reincidió con Home for the Holidays, una comedia negra protagonizada por Holly Hunter y Robert Downey Jr., que satirizaba la típica neurastenia de la clase media estadounidense ante los festejos familiares como el consabido Día de Gracias. A esta cinta no le fue bien ni en taquilla ni con la crítica, que fue muy poco caritativa, aunque se trataba de una película muy lograda y bien realizada, con una actuación espectacular por parte de Anne Bancroft como una madre excéntrica.

Después de una larga ausencia detrás de las cámaras, la Foster adopta dos posiciones, como directora y protagonista de The Beaver (presentada en América Latina con el desangelado e indiferente titulo de Mi otro yo), una fascinante comedia negra con tintes de melodrama, brillantemente escrita por Kyle Killen, con una deliciosa subversión que se va manifestando para sorprender al espectador.

Los Black, Walter y Meredith, son la viva imagen del matrimonio perfecto al estilo americano: él es un empresario exitoso con una compañía de juguetes, y ella es una madre amorosa, dedicada y muy alivianada (precisamente qué tanto, es parte clave de la trama). Tienen dos hijos, Porter (el higadito Anton Yelchin) y Henry, una casa preciosa en un elegante suburbio de Nueva York y toda la felicidad y el horror que el dinero pueden comprar... hasta que Walter sufre un colapso mental.

Su depresión es tan profunda, que no hay tratamiento aparente para hacerlo volver a ser lo que antes era, con un costo muy elevado para su familia: Meredith está cada vez más desesperada, Porter, que parece incapaz de pensar en otra cosa que no sea él mismo (típico adolescente narcisista, al fin y al cabo) y Henry solo quiere normalidad, hasta que Walter encuentra un títere en forma de castor, y este objeto, sorprendentemente cambiará la dinámica de comunicación de la familia y el futuro de Walter.

Hablar más de la trama sería arriesgarse a arruinarla, pero se trata de – si uno consigue entrar en la propuesta surrealista del argumento – de una cinta que atrapa al lector y tiene muchas cosas buenas qué ofrecerle. Mel Gibson – al margen de haber tocado fondo a nivel mediatico – ofrece una actuación sensible y muy humana, como el abatido Walter y su alter-ego (el Castor), algo que lo devuelve a sus mejores momentos, bajo la dirección de Peter Weir y George Miller, antes que su ego se lo comiera.

Por su parte, la Foster, como Meredith, cumple a la perfección y su mirada a esta historia es honesta, realizada con precisión y sobriedad, si bien no logra sostenerse demasiado tiempo. Toda cinta que se atreve a ser diferente dentro de su temática – y si además cuenta con la interesante dirección de alguien como la Foster – amerita, por lo menos, un visionado y esta es una película interesante, que ofrece bastante y no debe, pese a sus defectos y/o la mala reputación de su protagonista, pasar desapercibida.

Mi otro yo/ The Beaver
Con Jodie Foster, Mel Gibson, Jennifer Lawrence, Anton Yelchin y Cherry Jones.
Dirige: Jodie Foster
Estados Unidos 2011

El otro yo de Jodie Foster

No sólo es una estrella de cine desde la infancia, es una actriz ganadora de dos Oscares y además directora, faceta a la que regresa después de varios años, con la peculiar cinta Mi otro yo.

Miguel Cane

Hace cuarenta años que comenzó su carrera, y este año serán treinta y cinco desde que se puso al tú por tú con Robert DeNiro y le arrebató con la mano en la cintura las escenas que filmaron juntos, dirigidos por Martin Scorsese en Taxi Driver. En el momento del rodaje, Alicia Christian Foster, más conocida por Jodie (Los Angeles, 1962), aún no había cumplido los trece años y su interpretación de Iris, una prostituta prepúber, causó furor llevándola ser nominada al Oscar en 1976 como mejor actriz de soporte.

En 1988, su interpretación de una mujer violada de manera tumultuaria que busca justicia, aún si no es una ciudadana modelo, en Acusados le valió su primer Oscar y en 1991 se consagró como Clarice Starling en El Silencio de los Inocentes, de Jonathan Demme, misma que le valió su segundo Oscar, ser aclamada por la crítica y tener el peso suficiente en Hollywood para dar el paso que había venido proyectando aún desde sus años como estudiante en la universidad de Yale: convertirse en directora.

Tras pasar algunos años dedicada exclusivamente a la actuación y a sus dos hijos, regresa a las pantallas como protagonista y directora de Mi otro yo, un filme poco convencional, en el que además lleva al polémico (y actualmente caído en desgracia) Mel Gibson, como compañero. En el filme, Jodie y Mel interpretan a un matrimonio que enfrenta una crisis: el padre es un empresario que ha sufrido un colapso mental y solo puede comunicarse con sus familiares y el resto del mundo a través de un títere en forma de castor, elemento surrealista del que se vale para narrar una historia muy humana.

¿Por qué hacer una película con esta temática?
Me atrajo lo subversivo del tema central. Kyle Killen escribió un guión formidable, lleno de matices y recovecos, que muestra a la familia americana de éxito en una luz completamente distinta. Eso me intrigó. Los Black son lo que mucha gente envidiaría; tienen una posición desahogada, una armonía aparente, muchas cosas materiales. Pero luego el padre tiene esta especie de epifanía que muchos interpretan como depresión, como una crisis nerviosa, y sólo puede expresarse a través de este elemento completamente extraño. Y sin embargo, esto le da una nueva dimensión a la dinámica familiar.

¿Se podría comparar con algún otro largometraje en tu carrera?
No, es completamente distinto a todo lo que he hecho antes. No es una comedia, no es un drama, pero tiene elementos de ambos. Es muy interesante y pensé que sería una gran oportunidad de hacer una película diferente, con un reparto pequeño, intentar salir un poco de la norma, ofrecer algo diferente a lo que el público ha estado recibiendo últimamente.

Te tomó mucho tiempo volver detrás de la cámara.
Sí, dieciséis años. Y creeme, que no fue por mi gusto. Hubo un proyecto [se refiere al malogrado filme circense Flora Plum, que desde 1994 y hasta 2005 intentó levantar] muy cercano a mi corazón, que se quedó en el camino, por más intentos que hicimos de levantarlo. No fue posible y creeme, es muy doloroso. Luego hubo otro proyecto que por cuestiones de logística no salió y lo dirigió alguien más, pero éste se dio tan rápido, que fue vertiginoso: todo se alineó y fue tan oportuno, que dije “sí, lo haré”. Hacer cine me electriza, y creo que mi mayor decepción profesional es, precisamente, no haber dirigido más películas. Definitivamente, no lo descarto. Es algo que me interesa profundamente y ahora que mis hijos han crecido un poco, pienso hacerlo con más frecuencia.

Originalmente el rol de Walter iba a ser para Steve Carell, pero finalmente lo realiza Mel Gibson. ¿Fue una decisión controversial?
No. En absoluto. Cuando Steve tuvo que dejar la producción por un conflicto de horarios con su serie (The Office), de inmediato pensé en Mel. Es un gran actor y parece que la gente se olvida de que es tan versátil y que tiene un enorme registro, asi que lo llamé y le dije que quería que diera este salto conmigo. La percepción que el público puede tener de él, o de cualquier persona, puede ser influenciada por aspectos externos. Pero nadie es perfecto. Lo dije antes y lo dije ahora: Mel es un estupendo actor, un profesional. Su conducta fuera del set, no me concierne en absoluto y no debería tampoco importarle a nadie más. No afecta su trabajo, que en mi opinión es de primera.

¿Cómo te preparaste para un rodaje que exigía tanto de ti, como actriz y directora?
Me informé mucho sobre la depresión crónica. Leí mucho al respecto, pero creo que el caso de Walter y Meredith Black, es diferente. Son personajes que no se conforman con un destino triste. Tienen dos hijos por los que se enfrentan a esta particularidad y el escepticismo de los demás, va dando pie a lo que es un verdadero redescubrimiento, Eso me pareció apasionante. Pero sí, actuar y dirigir al mismo tiempo, puede resultar agotador. ¡Pero muy satisfactorio!

¿Aplicas algo de lo aprendido de los directores que has tenido?
Desde luego. He aprendido mucho de todos. De Marty Scorsese aprendí muchísimo. De Jonathan Demme. De Bob Zemeckis y Spike Lee. ¿Sabes de quién aprendí mucho y es una pena que no haya dirigido mas que una película? Anne Bancroft. En muchos sentidos, era una pionera. Se atrevió a hacer lo que muchas otras no pudieron: produjo, escribió y dirigió, sin miedo al fracaso. Trabajando con ella en Home for the Holidays, me di cuenta de que era un verdadero ejemplo. La admiro muchísimo.

¿Cómo te sientes al cumplir 40 años en el cine?
¿No es una locura? Realmente, no lo puedo creer. Cuando era niña mi madre me decía, ‘Cuando tengas 16 ó 17 años, tu carrera estará acabada’, por lo que me acostumbré a la idea. Así que a los 18 años pensé, ‘Bueno, lo intentaré un poco más, ganaré algún dinero y luego me dedicaré a otras cosas’. Pero, por la razón que sea, he seguido trabajando. Y mi madre siempre decía, ‘Las carreras de las mujeres acaban siempre a los 40. Así que, ¿qué vas a hacer después de los 40?’. Y yo estaba muy preparada para eso, para decir, ‘Soy productora y directora, ya no seré actriz después de cumplir los 40’. Y sin embargo aquí sigo, a los 48 y sigo dedicándome a esto (ríe).

Acabas de terminar el rodaje de Dios del Caos y te dirige Polanski... ¿Cómo te sentiste trabajamdo con él?
Fue fascinante. Rodamos en París, John C. Reilly, Christolph Waltz, Kate Winslet y yo. Todo en un solo set, ya que está basada en una obra de teatro con un solo escenario, así que hubo un gran control del espacio, pero al mismo tiempo, nos sentimos tan libres... Polanski es un director increíble. Fue actor y se nota: al montar las escenas nos indicaba exactamente lo que quería de cada uno. Estoy muy contenta con el resultado, y estoy segura de que el público también lo estará. No sé aún cuando se estrenará, pero es una de las películas más divertidas y escalofriantes que he hecho. Y lo digo en serio.

Cadáver de la novia, El / Corpse Bride, de Tim Burton (02), por Miguel Cane

Miguel Cane

Tim Burton es uno de los escasos directores que pueden ser llamados genios, sin que sea hipérbole, en tiempos recientes y su trabajo como cineasta, aún con algunas inconsistencias, es siempre de primera. Tiene una visión tan particular que habitualmente no se limita sólo a dirigir a los actores de sus cintas: en todas ellas, en mayor o menor grado, Burton tiene un papel importante. Elige personalmente al elenco, edita el guión, contribuye al estilo visual y al diseño de producción, dándole siempre su sello personal.

En esta divertida comedia de humor negro – que por ser animada no quiere decir que sea únicamente para niños, que conste- Burton retoma uno de los temas que más le gustan: la exploración de las posibilidades de la muerte y lo que hay más allá de esta, tratado todo con desenfado, humor ácido, ternura, y lleva al espectador al mundo Burtoniano que hemos llegado a conocer y querer.

Siguiendo la tradición de su primer trabajo, el corto animado Vincent (realizado hace más de veinte años) y de la célebre El Extraño Mundo de Jack (donde no dirigió, pero hizo labor de productor y creativo por lo que la cinta es tan suya como de Henry Selick, director quien casi siempre es olvidado cuando se habla de dicha cinta), Burton presenta aquí la historia de Víctor Van Dort (voz de Johnny Depp) un muchacho tristón, que está a punto de casarse con Victoria Everglot (la inconfundible Emily Watson), una chica sombría pero gentil, a la que acaba de conocer y cuyos padres están desesperados por ver casada con él – por motivos económicos, naturalmente.

Nervioso, antes de la ceremonia, Víctor va a un paraje del bosque y ahí, ensaya cómo decir sus votos durante la boda. Pero no contaba con que esto lo hará terminar casado con una chica muerta (Helena Bonham-Carter) quien, dichosa de haber encontrado el amor, le mostrará cómo es el mundo del que proviene, mismo que es un enorme contraste con el que habita Víctor y así le cambiará, literalmente, la manera de ver la vida… ¡y la muerte!

Con un maravilloso trabajo de animación realizado utilizando figuras de tercera dimensión, esta película es un relato divertido, un musical interesante (hay cuatro números creados por el genial Danny Elfman, indispensable en el ouvre de Burton) y una fabulita oscura e irreverente acerca del amor y la muerte. Tecnológicamente – y sin dejar de dar debido reconocimiento al maestro Ray Harryhausen-, la cinta es prodigiosa: el diseño de personajes, supervisado es llamativo e interesante. Cada personaje, tanto en el reprimido mundo de los vivos como en ultratumba – que asemeja un cabaret de la República de Weimar-, tiene una personalidad definida y quien se roba cada escena en la que está, es el personaje de Finnis Everglot (padre de la novia viva) cuya voz es interpretada en inglés por el magnífico Albert Finney.

El Cadáver de la Novia tiene algo que va a gustar tanto a los muchos fans del director, así como los admiradores del séptimo arte y especialmente aquellos, chicos y grandes, que disfrutan de la animación casi-viva, como en este caso. Con una duración de 76 minutos, no aburre y se desarrolla con un gusto cuyo entusiasmo trasciende la pantalla y es contagioso. Al ver algunas películas, a veces uno quiere morirse… pero con esta, el deseo es ese precisamente ¡ojalá pudiéramos ir al mundo de los muertos!

El Cadáver de la Novia/Corpse Bride
Con Johnny Depp, Emily Watson, Helena Bonham-Carter, Albert Finney y Tracey Ullmann.
Dirige: Tim Burton
Guión: John August, Pamela Pettler y Caroline Thompson
Música: Danny Elfman
Distribuye: Warner Bros. (EEUU/Reino Unido 2005)

Cadáver de la novia, El / Corpse Bride, de Tim Burton (01), por Jacobo Bautista

Jacobo Bautista

Hace más de diez años, en unos pocos cines de la Ciudad de México, se estrenó una curiosidad, con mucho atraso respecto a su estreno en Estados Unidos. El extraño mundo de Jack fue el estúpido título que en México se le ocurrió a alguien para la cinta A Nightmare Before Christmas del productor y director Tim Burton. Entonces yo estaba poco famliarizado con el trabajo de Burton, sabía que había hecho la extraña El Joven Manos de Tijera (con Johny Depp) y la de Beetlejuice, pero igual el nombre de Tim Burton no me decía nada. Me parece que fueron los cortos que vi en la televisión norteamericana los que me convencieron de ir a ver esta película que desde el primer y hasta el último minuto me fascinó.

Con la misma emoción fue a ver James & the Giant Peach, su segunda película animada, dirigida también por Henry Selik, menos asombrosa, más dulce, con menos humor negro y que ha pasado de largo incluso para aquellos que le rinden culto a Burton.

Desde 1993 que se estrenó A Nightmare Before Christmas hasta hoy, se ha vuelto película de culto, sospecho incluso que en DVD ha tenido muchas, muchas más ganancias de las que tuvo en taquilla. Los juguetes y memorabilia de la película se han expandido por todos lados y parecía el momento oportuno de regresar a la animación.

Esta vez y para alegría de sus fans –que no son pocos– Tim Burton no solamente produjo la película sino que decidió dirigir. En una época en que muchas películas tienen su sustento e incluso su justificación en los puros efectos visuales, en que cada día es más difícil sorprender visualmente al público, es refrescante ver que alguien regresa a lo básico.

Tal como en Wallace & Gromit, tal como se hacía hace más de 50 años, se fabrican muñequitos y se van moviendo y retratando, un cuadrito por movimiento. Curiosamente, Tim Burton decidió no usar película de cine sino tomar fotografías, tal cual y para la ocasión eligió cámaras de 35 milímetros, eso sí, digitales, aunque el resultado es que esta película carece del fondo que tiene The Nightmare Before… (me refiero a la fotografía digital, que no logra captar la profundidad como las películas análogas).

Pero… pero es Tim Burton, es animación a la antigüita, la historia involucraba el encuentro del mundo de los vivos y los muertos, vuelve a hacer mancuerna con Johny Deep (¿recuerdan la extraordinaria Sleepy Hollow?). No había un momento que perder… había que ir al cine al momento de su estreno –al público, claro, ya no voy a funciones de prensa y esas mamarrachadas llamadas ‘pre-estrenos’– y, por supuesto, ver la película en inglés.

El argumento de la cinta es muy sencillo en realidad, carece de la complejidad de algunas películas de Burton, pero resulta efectivo: Las familias Van Dort y Everglot arreglan el matrimonio de sus hijos, Victor Van Dort y Victoria Everglot… la familia de él, nuevos ricos, quieren emparentarse con un nombre de abolengo y la familia de ella, de abolengo pero sin un quinto, necesita la fortuna de él para seguir viviendo como ‘merecen’. Él, en una confusión, ensalla la entrega del anillo en el bosque y termina poniéndoselo a la mano de una novia muerta… al Cadáver de la Novia… y ahí se encuentran el mundo de los vivos y el mundo de los muertos.

La musicalización corrió a cuenta de Danny Elfman, otro aliciente para ir a ver la película y verla en inglés. Elfman es un genio, así como la fotografía digital carece de profundidad, la música de Elfman le da otro sentido a la película, le dota de otro plano y la hace una película hermosa. Elfman –tras una idea de Burton– hace un exquisito contraste entre vivos y muertos. Mientras los ritmos en el inframundo son alegres, jazzísticos, con percusiones, en el cuadrado mundo de los vivos los ritmos son cadenciosos, monótonos… excepto por un momento en que se encuentran los novios frente a un piano y tocan a cuatro manos una melodía de esas cortas, encantadoras, hechas por gente viva cuando se enamora.

En toda película de animación, los detalles no pueden perderse de vista. El Perro de Victor, el vestido de Victoria, los andrajos que quedan del cadáver de la novia, los instrumentos de la banda de calaveras y los detallitos en general en todos los muertos.

Burton, además hace más grande el contraste –como suele hacerlo en todas sus películas– quitando color en algún lado para resaltarlo en otro. El mundo de los vivos es gris, con ángulos muy rectos (como los mismos padres de Victoria), en cambio los muertos son más redonditos y aunque igual deslavados, tienen mucho más colores, sobretodo rojo y amarillo.

Inevitablemente se le ha comparado a esta película con The Nightmare Before Christmas, he leído que aquella es mucho mejor, que le faltó mucho a Burton para superarse a si mismo, pero no, aquella tenía la sorpresa y lo entrañable de lo nuevo. Esta no sorprende porque el asunto de los monitos ya lo vimos antes en las otras dos entregas, pero los personajes están bien resueltos, igual que la situación, en la escasa hora y 20 minutos que dura la película, se presentan a los personajes, la problemática, se crea el lío, se enreda y se resuelve sin perderse un segundo en tonterías, a menos que sean necesarias…

Tim Burton’s Corpse Bride es un pequeño tesoro, no sé si gane o no un Oscar o Globo de Oro (Danny Elfman lo merece por la música, sin duda) pero merece ser adquirida en DVD así como su banda sonora debe ser adquirida en CD, vale la pena también verla en pantalla grande y en inglés.

El Cadáver de la Novia (Corpse Bride)
Dirigida por Tim Burton y Mike Johnson
Con las voces de Johny Depp y Helena Bonham Carter
Música de Danny Elfman